domingo, 6 de diciembre de 2015

The Godz

DATOS GENERALES:
País: USA
Géneros: Rock psicodélico, Freak folk, Rock experimental

ÁLBUMES/CALIFICACIÓN
Contact High With The Godz 7/10
The Godz II 6.5/10
Third Testament +6/10

Mejores canciones
Turn On C+
...

RESUMEN
The Godz fueron uno de esos revolucionarios poco conocidos de mediados de los 60's pero cuyas "intuiciones" se adelantaron a la época.
En la misma órbita que bandas como The Fugs, Holy Modal Rounders y The Monks, The Godz destacaron principalmente por un álbum: Contact High (su primera obra). El grupo estaba formado por el guitarrista Jim McCarthy, el bajista Larry Kessler, el autoarpista Jay Dillion y el baterista Paul Thornton. La mediocridad técnica e incompetencia de los músicos era evidente. A pesar de ello la banda tenía algunas ideas interesantes, ideas que realmente eran bocetos y que ellos desarrollaron de manera casi "accidental".
Su primer álbum es el que mejor presentó sus intuiciones, el hecho de haber sido concebido en el 66 (el año que la música rock despegó y se convirtió en un arte serio) le dio un aura especial. El resto de sus álbumes tenían una carga similar de experimentación pero al lado de las grabaciones de la época ya no eran una gran novedad. The Godz 2 por ejemplo estaba más alineado a la psicodelia de la época (de paso se nota que la banda aprendió a tocar mejor sus instrumentos) y Third Testament robó la idea del "freak out" de The Red Crayola.
Después del cuarto álbum (Godzundheit) se separaron. Al igual que muchos de sus colegas de aquellos días volvieron a juntarse en la década de los 2000.

REVISIONES

1. CONTACT HIGH WITH THE GODZ (7/10) 

Canciones/calificación
White Cat Head C
Turn On C+
Na Na Naa C+
Eleven C
1+1=1 C+
Lay In The Sun C
Squeak C
Godz C-
May You Never Be Alone Like Me C

El primer álbum de The Godz es una delicia psicodélica y experimental como solo puede serlo uno de esos discos innovadores del 66 (Black Monk Time y el debut de The 13 Floor Elevators por ejemplo). Como ya se sabe, The Godz es una banda de músicos incompetentes que intentaban hacer sonar sus instrumentos lo mejor que podían, evidentemente no respetaban ninguna regla de la armonía, los vocalistas cantaban desafinados y el acompañamiento era totalmente "naif". A pesar de todo tenían ideas interesantes. Para este primer disco destacan los temas de influencia folk, cubiertos con una capa de experimentación que solo otros más competentes como los Holy Modal Rounders supieron hacer mejor. El canto es demencial, totalmente "libre", literalmente en "ácido". El acompañamiento es rudimentario siendo el auto-arpa el instrumento más llamativo, este proporciona una atmósfera tenebrosa, desorientadora e impredecible a las canciones, de esta manera se puede percibir el estar en medio de un mal viaje con LSD. En definitiva lo peor es la percusión y el bajo, estos simplemente van por donde les da la gana, tocan cualquier cosa. El bajo al menos contribuye en aumentar la siniestralidad de la atmósfera. Los acordes de la guitarra son ingenuos, pero hacen su trabajo.
En definitiva, lo que hace especial a este álbum es la atmósfera, tanto cuando participa el auto-arpa (convirtiéndose en un festival psicodélico tenebroso y siniestro) como cuando el protagonista es la armónica (siendo la canción en este caso un festival de freak-folk desinhibido). Las ideas (o mejor dicho, los bocetos) es lo que se valora y en definitiva este álbum se anticipó a decenas de experimentos posteriores. Si bien no llega al nivel de otros contemporáneos como Black Monk Time (de The Monks) se valora su función de "blueprint" del trabajo de Holy Modal Rounders y The Red Crayola.    

lunes, 20 de abril de 2015

Fugazi

DATOS GENERALES:
Pais: USA
Generos: Hardcore Punk

ALBUMES/CALIFICACION:
13 Songs +8/10
Repeater 8.5/10
Steady Diet Of Nothing +8/10
In On The Kill Taker 8/10
Red Medicine +8/10
End Hits 6.5/10
The Argument 7/10

Mejores canciones:
1. Styrofoam B
2. Waiting Room B
3. Turnover B
4. Steady Diet B
5. Sieve Fisted Find B
6. Bed For The Scraping B
7. Latin Roots B
8. Repeater B
9. Glue Man B-
10. Do You Like Me B-
11. Suggestion B-
12. By You B-
13. Merchandise B-
14. Burning Too B-
15. Promises B-
16. Blueprint B-
17. Reclamation B-
18. Back To Base B-
19. New Nice Outfit B-
20. Dear Justice Letter B-
21. Instrument B-
22. Smallbox Champion B-
23. Version B-
24. 23 Beats Off B-
25. Birthday Pony B-
26. Greed B-
27. Polish B-
28. Latest Disgrace B-
29. Rend It B-
30. Combination Lock B-
31. Walken's Syndrome B-
32. Long Distance Runner B-


RESUMEN:
Fugazi, la banda que Ian Mackaye fundó junto a Guy Piccioto, representa la máxima expresión del hardcore punk y de este modo se convierte, de forma casi segura, en el mejor grupo de punk de la historia (evidentemente resulta ser una de las más grandiosas bandas de los 90s y del rock entero).
Son estas las razones: MacKaye y Piccioto convierten sus dilemas, traumas, inquietudes y pensamientos en pequeñas estructuras caóticas, neuróticas, siniestras, viscerales y especialmente, existenciales. Sus canciones son pequeños tratados éticos y políticos expulsados de la forma más psicológicamente perturbada posible. El dúo usualmente combina sus voces para formar un muro sonoro devastador. Dolor y sufrimiento en forma de neurosis pueden percibirse de sus canciones más logradas. Pero eso no es todo, este medio de recitación bastante particular se muestra sumergido en una atmósfera de pura desesperación. El ritmo que marcan el bajo y la batería es perfecto, casi matemático y al fusionarse con la guitarra, que usualmente fluctúa entre riffs potentes y sonidos demenciales (como si de un huracán se tratase) configuran la atmósfera ya descrita, todo un combo arrollador.

Un aspecto aparte son las letras, que revelan las aspiraciones ético-morales de la cabeza del grupo: Ian Mackaye. Ciertamente, la música de Fugazi es un vehículo de expresión casi filosófico. Mackaye provenía de Minor Threat, con la cual ya había sentado las bases de su sistema ético: el Straigh Edge. Ian era un moralista nato: no drogas, no alcohol, no sexo. Tal oxímoron no se advertía desde los días del rock progresivo y su rechazo a las estructuras e influencias clásicas del rock.
Por otro lado estaba Piccioto, que provenía de una banda consolidada como lo fue Rites Of Spring (al igual que Brendan Canty, responsable de la batería), los predecesores del emo-core.
La fusión entre emoción y consciencia social fue lo que dio origen a la música de Fugazi.

Sus dos primeros EPs (Fugazi y Margin Walker) dieron lugar al compilatorio 13 Songs, uno de los hitos del hardcore. Por la parte del EP Fugazi tenemos canciones intensas y particularmente pequeños manifiestos existenciales. Es la primera muestra de los traumas que dirigen el resto de su carrera. Por otro lado, el EP Margin Walker es una muestra del lado más visceral y poco controlado de Fugazi, donde los sentimientos se expulsan de una manera un tanto más caótica. Mientras el primer EP resulta ser más "ordenado" y "limpio", el segundo da cuenta de una banda más reaccionaria.

Rápidamente la banda mejoraría el producto con Repeater (su mejor álbum). En esencia están los mismos valores que en 13 Songs, solo que más pulidos y elevados a un nivel superior. Su mensaje se muestra mucho más trabajado, sus frases célebres realmente se vuelven trascendentales: "no eres lo que posees", "no importa lo que se esté vendiendo, es lo que estás comprando", "somos todos fanáticos, tan llenos de odio, expulsamos nuestro veneno como poliestireno". Todos ellos están refundidos en una atmósfera cargada de oscuridad y desesperación, el sufrimiento y resentimiento ante la irracionalidad de los actos de los hombres y sus consecuencias son el faro director de Repeater, que termina convirtiéndose en el bastión ético del punk por excelencia. Hay otro asunto, y es el de la perfección formal de la música en sí, todas las canciones parecen haber sido trabajadas con una precisión caligráfica.

Sin perder mucho tiempo lanzan otra obra maestra (3 al hilo): Steady Diet Of Nothing. La cual explora con mayor intensidad el aspecto "oscuro" y "tormentoso" de la música de Fugazi. Aquí cuenta más la expresión y la profundidad, es un álbum ciertamente "intenso" y "devastador" sin llegar a ser crudo y visceral. Fugazi encontró el punto de equilibrio entre dinámica y sentimiento.

In On The Kill Taker, su siguiente álbum (y de nuevo obra maestra), fue precisamente lo que Steady trató de no ser: visceral y desordenado. Las canciones son probablemente las más potentes de todo su repertorio, pero por momentos se siente un poco de inseguridad, la cual es maquillada perfectamente con un muro sonoro colosal y caótico. Hay momentos de mucha explosión eso sí, es un disco bastante enérgico y dinámico, probablemente lo más extremo que haya lanzado la banda. Sin embargo, hay algo más que deja bien parado a este álbum: Fugazi empieza a experimentar.

Precisamente es aquí donde llega el ápice creativo de Fugazi: Red Medicine, la quinta obra maestra consecutiva del grupo (un record casi imposible). La banda se reinventa y adopta estilos diversos que van desde avantgarde hasta post rock. Este es sin lugar a dudas, el trabajo más elaborado y profesional del grupo, el sumum de todo su repertorio.

Luego de esto, el "combustible" recién empezaba a escasear. La banda quiso continuar con sus experimentos con mucho menos fortuna en End Hits. Un disco que aun siendo bueno no está a la altura del resto de obras maestras de la banda (y que aun así sería la envidia de cientos de bandas de punk).

El último álbum de la banda, The Argument, ya había abandonado casi todo lo que Fugazi alguna vez significó y entró en un terreno más pop. Increíblemente, el resultado fue mejor de lo que se espera. Sin ser siquiera de lo mejor que alguna vez hizo la banda, este álbum presentó canciones contundentes, aunque desprovistas de la intensidad y violencia sonora de sus viejas canciones. Es un trabajo mucho más amigable con el público que en manos de músicos mediocres hubiese resultado una catástrofe.

Posterior a The Argument, Fugazi siguió ofreciendo conciertos hasta el 2002 (usualmente con precios que bordeaban los 5 dolares). Luego de eso entraron en un hiato indefinido. A pesar de la calidad superlativa de sus álbumes (superando por mucho los de cualquier banda de punk y a casi todas las del mundo del rock) y de las obvias capacidades y habilidades de sus músicos, el reconocimiento a Fugazi se limita a un ámbito bastante "indie". Esta vez no es culpa de la excentricidad de la música (porque su música no es precisamente excéntrica) sino de la misma banda. Fieles a su ética, Fugazi no se vende por dinero; han rechazado la oportunidad de firmar para sellos discográficos que hubiesen masificado su fama (Atlantic por ejemplo, quienes les ofrecieron al menos 10 millones de dolares para firmar con ellos). Luego del hiato han rechazado también el ofrecer conciertos a cambio de cuantiosas sumas de dinero. No se puede negar el potencial comercial de Fugazi, con un adecuado aparato de marketing habrían superado con facilidad la fama de bandas como Green Day y haber alcanzado el status de otras como The Clash.

REVISIONES:

1. 13 SONGS (+8/10)
Año: 1989
Generos: Hardcore Punk

Canciones/calificación:
Waiting Room B
Bulldog Front B-
Bad Mouth C+
Burning C+
Give Me The Cure B-
Suggestion B-
Glue Man B-
Margin Walker C+
And The Same C
Burning Too B-
Provisional C
Lockdown C+
Promises B-


2. REPEATER (8.5/10)
Año: 1990
Generos: Hardcore Punk

Canciones/calificación:
Turnover B
Repeater B
Brendan 1 C+
Merchandise B-
Blueprint B-
Sieve Fisted Find B
Greed B-
Two Beats Off C+
Styrofoam B
Reprovisional C+
Shut The Door B-

Repeater es el pico artístico de Fugazi. Si bien un álbum como 13 Songs representa perfectamente el espíritu del grupo, es en Repeater cuando las ideas tanto líricas como musicales de la banda llegan a presentarse contundentemente arrolladoras, tanto psicológica como físicamente. Explico: es en este álbum que la banda demuestra que su música puede ser un vehículo de denuncia y consciencia social, de análisis socio-político y a la misma vez servir como forma de expresión de una profunda crisis personal y existencial. Es más, ambos planos parecen convivir en un mismo espacio y son despachados de manera conjunta en las canciones. Esto no es de sorprender, casi todos los grupos de punk hacen denuncia social, pero más que nada como niños haciendo rabietas; Fugazi, sin embargo, hace de esto un verdadero calvario y aborda el tema como si se tratase de un dilema existencial, se lo toman de una forma muy personal. Al parecer, son las contradicciones e irracionalidad de la sociedad de su momento las causantes del drama personal de MacKaye y Piccioto. Se puede percibir un claro resentimiento y un profundo dolor en las declamaciones de ambos músicos.
La música es catárquica, explosiva, desgarradora y cruda. Permite mostrar precisamente lo ya mencionado: a través de furiosos ataques de guitarra, lineas de bajo y percusión matemáticamente perfectos y agónicas voces, queda claro el calvario al que asistimos, una experiencia casi metafísica. El flujo en el que se presentan todos los elementos muestran crudamente la psicología de los músicos: hay pausas repentinas, cambios rápidos en el ritmo y un desarrollo claramente no-lineal, suficiente prueba para captar su mensaje sin necesidad de letras.

Turnover
Este es quizá el punto creativo más alto y con mayor complejidad lírica en el disco. La dinámica es especialmente rica y la tensión no explota febrilmente, todo se muestra controlado. El tema empieza tibiamente, y al rato empieza el tormento (el cual se acentúa en el coro). El resto va in crescendo hasta llegar a un exhaustivo solo final y catastrófico que termina convirtiéndose en un recital para bajo.

Repeater
Una canción mucho más técnica y destructiva. Aquí brilla evidentemente la sección rítmica y la alternación de ambos cantantes, lo cual crea más drama y añade una cuota mayor de confusión. De nuevo el tema va increscendo, siendo el final de la canción el punto más catastrófico y neurótico.

Brendan 1
Tribalismo puro compuesto evidentemente por el baterista Brendan Canty. Hay que añadir que las guitarras se encargan de llenar el espacio al fondo, con la usual cuota de devastación. Hay vórtices sonoros que emanan a lo largo de todo el tema. Mención aparte merece el bajo, que prácticamente lleva la linea "melódica" de la canción.

Merchandise
Este es un mix que recuerda a 13 Songs: reggae+metal. De nuevo la catarsis se encuentra al final. El bajo brilla de nuevo.

Greed
Esta obra maestra es un pequeño estudio del uso de los silencios, donde todos los instrumentos se pasan la posta, callándose y alternando. Violenta, devastadora y pesadillezca. Las letras son simples: "you need everything, you want everything" y se repiten de manera desgarradora cual letanía. Aquí brilla Canty y su sección rítmica, una genialidad.

Styrofoam
Esta es la obra maestra absoluta de Fugazi. Es su manifiesto existencial por excelencia y resume su filosofía sobre el consumismo y sus consecuencias. La intro es matemáticamente perfecta, y de nuevo, gracias al bajo y la batería, luego viene el cuerpo, compuesto de manera que simula un ciclón sonoro que crea una atmósfera sofocante y devastadoramente neurótica. El cantante en este caso es presa de toda esa devastación y declama como al borde la muerte, como queriendo hacer prevalecer su mensaje (we are all bigots so full of hatred, we release our poisons) a costa de un sufrimiento terrible. Las letras son apocalípticas, desgarradoras, crudas y plagadas de harto pesimismo, pero ofrecen una visión que no está lejos de la realidad: "no hay más carreras que correr, no hay más números que ganar, abajo todos nos empujamos entre nosotros, nunca hubo una verdad a ser encontrada", luego la cuestión se torna una sentencia que podría haber sido escrita por un suicida: "no hay más personas a ser juzgadas, somos en nuestra mente cinco billones de piezas bien definidas, léelo en un libro, estaba subrayado".    


3. STEADY DIET OF NOTHING (+8/10)
Año: 1991
Generos: Hardcore Punk

Canciones/calificación:
Exit Only C+
Reclamation B-
Nice New Outfit B-
Stacks C+
Latin Roots B
Steady Diet B
Long Division C
Runaway Return C+
Polish B-
Dear Justice Letter B-
KYEO C+

4. IN ON THE KILL TAKER (8/10)
Año: 1993
Generos: Hardcore Punk

Canciones/calificación:
1. Facet Squared C+
2. Public Witness Program C+
3. Returning The Screw C+
4. Smallbox Champion B-
5. Rend It B-
6. 23 Beats Off B-
7. Sweet And Low C
8. Cassavetes C+
9. Great Cop C
10. Walken's Syndrome B-
11. Instrument B-
12. Last Chance For A Slow Dance C+


5. RED MEDICINE (+8/10)
Año: 1994
Generos: Hardcore Punk, Rock Experimental

Canciones/calificación:
Do You Like Me B-
Bed For The Scrapping B
Latest Disgrace C+
Birthday Pony B-
Forensic Scene C+
Combination Lock B-
Fell, Destroyed C+
By You B-
Version B-
Target C+
Back To Base B-
Downed City C+
Long Distance Runner B-

viernes, 20 de febrero de 2015

Dead Kennedys

DATOS GENERALES:
Generos: Hardcore Punk
Pais: USA

Albumes/calificacion:
Fresh Fruit For Rotting Vegetables +8/10
Plastic Surgery Disaster 7.5/10

RESUMEN:

REVISIONES:

1. FRESH FRUIT FOR ROTTING VEGETABLES (+8/10)
Año: 1980
Generos: Hardcore Punk

Canciones/calificacion:
Kill The Poor C+
Forward To Death C+
When Ya Get Drafted B-
Let's Linch The Landlord B-
Drug Me C+
Your Emotions C+
Chemical Warfare B
California Uber Alles B
I Kill Children C+
Stealling People's Mail C+
Funland At The Beach C
I'll In The Head C+
Holiday In Cambodia B
Viva Las Vegas C+

En 1979 The Germs lanzaba GI, probablemente el primer album de hardcore. La idea de canciones breves pero cargadas de intensidad y energia fue emulada y pulida por una de las mas grandes bandas de punk de aquellos dias: Dead Kennedys.
Fresh Fruit For Rotting Vegetables es una de los máximos hitos del hardcore y por ende del punk de la historia, con este album el hardcore alcanza su maduración definitiva.

Vamos primero por la temática, FFFRV es un album evidentemente politico y satírico aunque a la vez divertido (con un ingenio similar al de los Ramones y una gracia similar a la de Frank Zappa). La vision de Jello Biafra es una de las mas curiosas e ingeniosas del punk de aquellos dias, una especie de política aderezada con morbo y oscuridad (personajes omnipotentes manejando vidas a su antojo por ejemplo) pero tambien de mucha propaganda (llamados a la "accion"). En cierto sentido esta es una música de tinte moral, aunque una moral trasmitida por los medios mas irreverentes y sátiros.

Ahora vamos por lo realmente importante, la musica va perfectamente acorde con la temática. Una primera cuestion a notar es la perfección caligráfica con la que la banda interpreta sus canciones, atrás quedo el caos y las imprecisiones de The Germs, esta es música realmente profesional. Segundo, Biafra es probablemente uno de los mejores vocalistas del punk de la historia (al lado de Henry Rollins y Guy Piccioto), su voz: belicosa, oblongada, siniestra y exasperante se funde a la perfeccion con su declamación y permite botar el mensaje de una forma mas "chocante", "epileptica" y demencial. Todo esto a su vez se junta con los hiper sonicos ataques de guitarra y el rápido batido de la percusión. El producto de esto son piezas de corta duración que mas parecen explosiones continuas de pura neurosis y "fiebre", casi agónicas. La velocidad a la que se suceden es uno de los factores que contribuyen a esta fiebre. Uno de los productos involuntarios de todo este caldo visceral es la atmósfera: siniestra, terrorifica y altamente demencial, sin querer los Dead Kennedys fusionaron la visceralidad del hardcore y la oscuridad del rock gótico, el resultado final son canciones efervescentes y de una oscuridad única. Eso sin mencionar la habilidad de la banda para traer a la palestra melodias de otros generos como el vals (por ejemplo en Chemical Warfare) o el surf rock (Funland At The Beach) y hacerlos encajar en la estructura ciclónica de sus canciones.

Estas razones convierten a FFFRV en una de las obras maestras del punk de todos los tiempos.

 



jueves, 12 de febrero de 2015

Camper Van Beethoven

DATOS GENERALES:
Pais: USA
Generos: Roots Rock, Folk, Ska, Punk, Country

ALBUMES/CALIFICACION:
Telephone Free Landslide Victory +8/10
II and III 8/10
Camper Van Beethoven +8/10
Our Beloved Revolutionary Sweetheart +7/10
Key Lime Pie 6.5/10

RESUMEN


REVISIONES

TELEPHONE FREE LANDSLIDE VICTORY (+8/10) 
Canciones/calificacion:
Border Ska C+
The Day That Lassie Went To The Moon B-
Wasted C
Yanqui Go Home B-
Oh No C+
9 of Disks C+
Payued Vacation: Greece C+
Where The Hell Is Bill C
Vladivostock C+
Skinhead Stomp C+
Tina C
Take The Skinhead Bowling B-
Mao Reminicents About His Days In Southern China C+
I Dont See You C
Balalaika Gap C+
Opi Rides Again-Club Med Sucks B-
Ambiguity Song C

TLFV inaugura a una banda cuya habilidad para incorporar y fusionar elementos de world music es probablemente la mas genial vista en los 80s.
La idea era espectacular, world music interpretada sobre una base de ska. No solo eso, CVB era una banda con un evidente aprecio por la era hippie, por lo que cierta atmósfera psicodelica se suma al coctel ya majestuoso. Todos los miembros de la banda eran grandiosos interpretes de su instrumento, pero el máximo genio era el tecladista y violinista Jonathan Segel, a quien le debemos las mayores extravaganzas sonoras de este album que es mayormente instrumental.
La tematica del album es una banalidad, canciones con algo de chispa, auto-celebrativas, de historias sencillas y graciosas que contaban las vicisitudes de la vida adolescente de esas y otras epocas. Lo realmente importante y lo que hace ser a este album es la música, la excepcional forma en que fusionan la world music con el ska y la psicodelia, los geniales duetos entre guitarra y violín con organo de fondo y la perfección formal de sus canciones.

CAMPER VAN BEETHOVEN (+8/10)
Canciones/calificacion:
Good Guys And Bad Guys B-
Joe Stalin's Cadilac C
Five Sticks C+
Lulu Land B-
Une Fois C
We Saw Jerry's Daughter C+
Surprise Truck B-
Stairway To Heavan C+
History Of Utah B-
Still Wishing To Course C+
We Love You B-
Hoe Yourself Down C
Peace And Love C+
Folly C+
Intelestelar Overdrive B+
Shut Us Down C

Si TFLV y II and III no eran ya suficiente genialidad, la banda aun tenia combustible para otro album más y aun mejor que los anteriores. CVB era el sumum de todas las geniales ideas de este grupo injustamente poco reconocido: world music, psicodelia y roots, todos conviviendo de la manera mas "feliz" posible, esta vez con una cuota de experimentación mayor, lo que da pie a composiciones un tanto mas trascendentales.
Todos los aspectos musicales han mostrado un crecimiento sustancial para este album. Primero la temática, un tanto mas trascendental, por un lado liricas mas surrealistas y absurdas pero por otro lado con un poco mas de conciencia social, ademas de referencias historicas y a la cultura de la época. Segundo, la musica se perfeccionó, pasando de ser un cojunto de ideas extravagantes de world music con base ska a un conjunto de ideas extravagantes de world music y "americana" con una base fuertemente psicodelica y experimental.



Nota a los lectores:
Nunca lo he hecho (y dificilmente lo volvere a hacer) pero esta vez recomiendo leer las reseñas de Wikipedia (en ingles obviamente), realmente le hacen justicia a la musica de este genial grupo.


The Germs

DATOS GENERALES:
Generos: Hardcore Punk
Pais: USA

Album/calificacion:
GI +8/10

REVISION

GI (+8/10)
Canciones/calificacion:
What We Do Is Secret C
Communist Eyes C+
Land Of Treason C+
Ritchie Draggers Crime B-
Stranger Notes C+
American Leather B-
Lexicon Devil B-
Manimal C+
Our Way C
We Must Bleed B
Media Blitz C+
The Other Newest One C+
Let's Pretend C
Dragon Lady  C
The Slave C+
Shut Down B

The Germs fueron protagonistas de una brevisima pero influyente carrera, lanzando el que sería probablemente el primer album de hardcore (evolución natural del punk) de la historia: GI.
Dos cosas lo definen y definirian al genero: velocidad y visceralidad. En primer lugar tenemos canciones reducidas a miniaturas de menos de 2 minutos (por lo general), interpretadas a velocidades ciclónicas y cantadas con furia y desesperación; luego tenemos que estos dos minutos son suficientes para descargar una ingente cantidad de puro sentimiento y emoción.
Los responsables de esta "masacre empaquetada" fueron el guitarrista Pat Smear y el vocalista Darby Crash.
Si Crash hacia algo bien era poder trasmitir todas sus visiones y pesadillas a través de "desgarros" vocales: en su canto se puede percibir con facilidad como intenta exorcisarse y martizarse a la vez liberando gritos agónicos que son un claro producto de la desesperación. Al finalizar cada cancion pareciera que ha quedado al borde de la muerte o el colpaso psicológico. El sufrimiento de Crash es claramente notorio y se presenta de una manera natural, es quiza una de las cosas mas nobles del disco. Smear acompaña (y acentúa) su calvario con furiosos y supersónicos ataques de guitarra. La temática es un tanto pesimista y evidentemente va acorde con la catarsis de la musica: discursos existencialistas, autodestrucción, decadencia y denuncia social.    
Los demas soportes del armazón sonoro de Crash y Smear son la bajista Lorna Doom y el baterista Don Bolles.
La importancia del album (uno de las obras maestras del punk) se da gracias a su condición de antecesor del hardcore (donde otras bandas hicieron mejoras sustanciales), a su regla de "reducir para ganar", a lo visceral de su presentación, a demostrar de una vez y para siempre que una cancion de 1 o 2 minutos cargada de pura emoción es mejor que una suite de 20 minutos cargada de cliches y sobreproducción.


jueves, 16 de octubre de 2014

Krzysztof Penderecki llega a Lima

Si bien este es un blog sobre música rock hay cosas que valen la pena ser mencionadas por su relevancia. Este 20 de octubre llegará a Lima uno de los mas grandes compositores del siglo XX, Krzysztof Penderecki.
Habra una rueda de prensa el dia 21 de octubre en el Gran Teatro Nacional, luego tendremos dos eventos en la PUCP, primero una mesa redonda el miercoles 22 (en CCPUCP, Camino Real 1075 San Isidro) finalmente el dia jueves 23 se le concederá el doctorado honoris causa en el campus, auditorio de la facultad de derecho.
Como cierre de su visita ofrecerá un concierto en el Gran Teatro Nacional, el mismo dirigirá a la sinfónica nacional que tocará tres de sus obras y una mas de Mendelssohn. Hay algo bueno y algo malo, lo bueno es que las entradas están entre 15 y 60 soles (teleticket), lo malo y decepcionante es que precisamente las entradas estan entre 15 y 60 soles, ergo, mas baratas que las que tu banda de rock favorita promedio cobró para venir, banda que de seguro con las justas ha hecho un solo disco de la misma calidad que la peor obra de este genio, ni un concierto de cumbia es mas barato.

En el concierto se tocará una de las maximas obras maestras de Penderecki, y una de las maximas obras maestras del siglo tambien, la fenomenal Threnody For The Victims Of Hiroshima (la cual esta mencionada por ahi en este blog), esto es algo verdaderamente insólito en este país y que difícilmente alguna otra vez ocurra.
Rompiendo con el esquema reseñaré por primera vez una obra clásica en este blog (lamentablemente el blog de musica clasica aun esta en estado embrionario y por lo pronto seguirá asi), la escogida es precisamente el Threnody. En primer lugar, si tuviera que ponerle un puntaje equivalente al de una canción de rock tendría A++, el mismo puntaje de obras maestras absolutas e irrepetibles en el rock, como Ebene (Klaus Schulze) o Miss Fortune (Faust) (obras que por obvias razones jamas escucharemos en este pais), luego, esta puede ser una de las obras mas impactantes y sobrecogedoras de la historia musical del siglo XX, compuesta para al menos 50 instrumentos de cuerda (violines, contrabajos, etc...) Penderecki hace un uso magistral y ciertamente original de las capacidades sonoras de todos ellos (no solo se tocan de la manera usual, sino que se golpea el cuerpo del instrumento por ejemplo), el punto es crear una atmósfera catastrófica, de devastación psicológica y de terror puro que en cierto sentido emula a la perfección el escenario tanto físico como mental de la tragedia de Hiroshima, la pieza empieza con un chirrido de viola a la que se van sumando poco a poco los demás instrumentos de cuerda, claramente emulando voces de agonía y desesperación que van en aumento, solo en esta parte uno ya puede percibir el grado de dolor y desesperación en medio de una atmósfera de devastación pura, luego todos los instrumentos callan y solo queda una viola dibujando un siniestro sonido ondulante, luego viene el caos: un largo intermedio de experimentación pura, los instrumentos son tocados casi de manera aleatoria percutiendo en el cuerpo del mismo de una manera demente y desquiciada, como de un pez fuera del agua tratando de conseguir agua. todo para de repente, lo que sigue es una sección impresionista y metafísica que pretende dibujar un paisaje apocalíptico y terror, con sonidos que aparecen y desaparecen, esto sigue así por unos pocos minutos hasta que vuelven a aparecer las cuerdas una tras otra en un bacanal instrumental de agonía pura, a continuación una sección de locura y terror con un fondo oprimente y oscuro. hasta este punto es destacable la forma en como Penderecki utiliza la variación de las alturas de las notas, para crear un espacio sonoro que deja una lección a grupos como Einsturzende Neubauten que trataron de capitalizar con cierto éxito el uso de las atmósferas recargadas y oscuras para representar el colapso físico y psicológico de la humanidad (por ejemplo Armenia), en tal sentido esta obra se anticipa tanto a ellos como a la parábola humana del primer disco de Faust. Siguiendo, viene una seccion complejisima y descollante, instrumentos en sucesion que aparece y desaparecen creando de nuevo un espacio desquiciado y enloquecedor, multiples arcos se unen al unisono para crear la atmosfera terrorifica y asfixiante (otra de las genialidades de Penderecki), al parecer todas estas preludian al "lanzamiento de la bomba" porque van convergiendo en un crescendo hasta que desparecen de repente para que de nuevo todos se vuelven a juntar en un caos orquestal que termina lentamente y se pierde en el vacio (algo similar al ultimo acorde de A Day In The Life). Con esta obra (una de las mas originales del siglo por cierto) Penderecki ha dejado un testamento musical imborrable, la representación del dolor y el sufrimiento es perfecta y una de las mas conmovedora.
  

viernes, 12 de septiembre de 2014

Tortoise

DATOS GENERALES:
Pais: USA
Generos: Post Rock, Jazz Fusion

Albumes/calificacion
Tortoise 8/10
Millions Now Living Will Never Die 8.5/10
TNT +8/10
Standards 6.5/10
...

Mejores Canciones:
Djed A-
Suspension Bridge At Iguazú Falls B
Glass Museum B
TNT B
I Set My Face To The Hillside B
...

RESUMEN

REVISIONES

2. MILLIONS NOW LIVING WILL NEVER DIE (8.5/10)
Generos: Post rock, Rock experimental, Rock progresivo
Año: 1996

Canciones/calificacion:
Djed A-
Glass Museum B
A Survey C
The Taut And The Tame B-
Dear Grandma And Grandpa C
Along The Banks Of River B-

Luego de su excelente debut, Tortoise estaba listo para dar un paso aun mayor. Millions Now Living es un álbum un tanto mas impresionista, un tanto mas espacial y en cierto sentido un álbum "orgánico". La influencia de Neu! es clarísima, lo cual convierte a este disco en una de las mejores aproximaciones al krautrock que sucederían en los 90s (el Vision Creation Newsun de The Boredoms sería la otra).
Vamos por partes, todas las canciones de este album tienen una clara estructura "progresiva", El truco de cambiar el tempo, el ritmo, el estilo, etc... esta ahí, por un momento tenemos algo de dub, por otro un poco de jazz, en otro un tanto de minimalismo puro y así. Tortoise experimenta en especial con timbres y texturas, incluso hay partes melódicas muy bien construidas, pero estas quedan ahogadas en la atmósfera creada por los múltiples timbres, Los elementos percutivos juegan un rol vital en la dinámica de las canciones, los ritmos alternan como en una especie de "flujo". La repetición juega un papel fundamental, el minimalismo "infecta" todas las composiciones. La geometría de las piezas es "irregular", digamos, la música no fluye "suavemente", no es soporífera, es mas bien como lineas que se quiebran a cada momento.
Lo que hace que todos estos elementos tengan sentido es la fusión de ellos, por si solos no dicen nada, pero juntos crean estructuras oníricas realmente vertiginosas, como mencioné hay mucho de impresionismo, al unirse todos los elementos se configura un "paisaje" surrealista que va cambiando de forma a cada momento. Por otro lado, hay un componente "orgánico" claramente marcado (en especial en Djed), parece como que estuviéramos ante pulsos vitales que se manifiestan de manera constante, como nacimientos y muertes en rápida sucesión, algo "vivo" puede percibirse en el irregular flujo de estas composiciones, en cierto sentido similar a una de las obras maestras de los 70s, Bel Air de Can (aunque sin el componente psicológico que hace a esta aún mas grande).    

La estructura es similar a la de los viejos discos de rock progresivo de los 70s: una gran pieza en una cara del disco, plus una colección de otras canciones menores en el otro lado. Pero lo curioso es que la pieza central de este album es probablemente mas relevante que casi cualquier "suite" progresiva que haya hecho alguna banda de los 70s, y.... las piezas "menores" en realidad de menores no tienen absolutamente nada (e inclusive en los albumes progresivos de los 70s alguna de estas canciones menores eran mejores que la aburrida suite de 20 minutos y su exhibición de tecnicismo innecesario).


lunes, 8 de septiembre de 2014

Rock Yugoslavo

Mas desconocido aun que el rock alemán es el rock que se hace en Yugoslavia (o mejor dicho, los países que la conformaron: Croacia, Eslovenia, Bosnia y Herzegovina, etc...).
Estuve escuchando recientemente algunos discos de esta corriente alternativa, y si bien aún me considero un neófito en esto creo poder decir que es una escena musical injustamente olvidada por los "especialistas" en música (por n-ésima vez)
Si bien hasta el momento no me he topado con bandas del mismo calibre que un Amon Duul o Faust, los yugoslavos sí que sabían como usar eficientemente los recursos existentes. Originalidad había, creatividad también, he identificado algunos álbumes que fácilmente podrían tener un 7.5 y hasta quizá 8! (y ustedes ya saben lo que es tener 8 en mis listas).
Lo que puedo recomendarles hasta el momento son tres bandas: Azra (new wave), Ekatarina Velika (post punk) y Disciplina Kicme (post punk, funk, jazz fusion), en el futuro prometo actualizar esta entrada para poner discos y puntuaciones.
Por lo pronto dejo para los interesados esta lista que encontré por ahi:

http://secanja.com/2012/top-ex-yu-muzickih-albuma-2/ 

miércoles, 3 de septiembre de 2014

The Monks

DATOS GENERALES:
Pais: USA
Generos: Rock Psicodelico, Protopunk

ALBUM/CALIFICACION
Black Monk Time +7.5/10

REVISION

1. BLACK MONK TIME (+7.5/10)
Generos: Rock Psicodelico, Protopunk

Canciones/calificacion:
Monk Time C+
Shut Up B-
Boys Are Boys And Girls Are Choice C
Higgle Dy Piggle Dy B-
I Hate You B-
Oh How To Do Now C
Complication C+
We Do Wie Du C
Drunken Maria C+
Love Came Tumbling Down C
Blast Off C+
Thats My Girl C+

The Monks fue un grupo de GI's americanos afincados en la Alemania de mediados de los 60s. Solo publicaron un único pero grandioso album: Black Monk Time.

La caracteristica primordial de BMT es su fusión: musica psicodelica con un componente punk tan vívido que parecia haber sido inspirado directamente por lo que ocurriría 10 años después. Cierto era que The Monks tocaban un tipo de rock mucho más abrasivo que el de The Who (por nombrar otros proto-punkers de esos dias) y que al ser fusionado con la psicodelia arrojaba una novísima forma de devastación; sus canciones eran arengas de guerra, una version del rock and roll más "sucio" con una cuota de primitivismo que era de lejos revolucionaria: parecían neanderthales tocando rock and roll. El ritmo creado por la bateria y otros elementos percutivos se prestaba a crear una especie de trance hipnótico que se combinaba con violentos acordes de órgano.

Otra caracteristica importante era la estructura, por lo general el primitivismo iba a merced de un gusto por la repetición y la iteración que en esencia se adelantó tanto a The Velvet Underground como al Krautrock (Neu! por ejemplo). Por otro lado, la temática era tan provocativa y trascendente como la de The Fugs, el canto era otra cosa a tomar en cuenta, Gary Burger, el vocalista, en esencia, más que buscar apoyarse en armonías y facilismo melódico buscaba un punto medio entre furia delincuencial y provocación, a veces con gritos desesperados, a veces con quejidos y sonidos onomatopéyicos, un poco anticipándose al estilo de David Thomas de Pere Ubu.

Adelantados por casi una decada al mainstream rockero de esos dias, The Monks se ganaron un lugar de entre los pioneros del punk.



jueves, 28 de agosto de 2014

Blue Phantom

DATOS GENERALES:
Generos: Rock Psicodelico, Hard Rock, Elevator Music

Album/Calificacion
Distortions 7.5/10

DISTORTIONS (7.5/10)

Canciones/Calificacion:
Diodo C
Metamorphosis C+
Microchaos C
Compression C
Equilibrium C+
Dipnoi C
Distilation C+
Violence C+
Equivalence C+
Psycho Nebulous C
Uncle Jim-Diodo E+ (Bonus Track)

Blue Phantom fue el proyecto de un grupo de desconocidos músicos italianos. Solo consiguieron lanzar un único pero gran álbum, Distortions.
Hasta donde se sabe, el compositor es el italiano H Tical (pseudónimo del director de orquesta Armando Sciascia) junto a una banda de apoyo totalmente desconocida. Sciascia solía componer soundtracks y este álbum al parecer no sería otra cosa que ello. Puede decirse que estas canciones estuvieron pensadas para ser o bien "música de supermercado" (muzak) o bien intentos de musicalizar estados de ánimo y escenas cotidianas; la estructura de las canciones al menos permite dar a entender eso. Sin embargo esta "muzak" es mucho más que solo sonidos ambientales fáciles y sin poder de recordación. Si bien algunas composiciones no son del todo perfectas, se nota un gran trabajo en ellas. En pocas palabras, su mezcla de hard rock y psicodelia es altamente creativa. Hay por momentos un poco de tensión, de misterio, de misticismo, de delirio psicodelico y de fantasía.

Las canciones son pequeños "bocaditos" sonoros fácilmente digeribles. Lo verdaderamente importante y que hace a este disco interesante, es la manera en que esta organizada la fusión de los géneros mencionados y sobre todo la forma en que se superponen los arreglos. Claro, esta música carece de un mensaje o una intención, carece también de muestras de virtuosismo y demás, es un disco cuyas canciones intentan pasar desapercibidas, pero en el intento sirven como un soundtrack para un sinfín de episodios de la vida cotidiana. Es muzak, sí, pero probablemente la mejor que escucharán en décadas.